Es gibt sie, diese Bücher, die einen packen und nicht mehr loslassen. Ob es ein Liebesroman ist, bei dem man ein Taschentuch nach dem anderen verbraucht, oder ein Thriller, der einem den Atem raubt: Autor_innen, die es schaffen, Emotionen und Gefühle vom Buch auf die Leser_innen zu übertragen, schaffen denkwürdige Romane, die man gerne mehrfach liest.

Was können wir von ihnen lernen? Wie erzeugt man Emotionen?

Im Folgenden gebe ich dir 10 Tipps auf den Weg. Der Trick: Benutze alle davon, nicht nur zwei oder drei.

Gefühl oder Emotion?

Was ist eigentlich der Unterschied zwischen Gefühlen und Emotionen?

Das zu differenzieren ist nicht ganz einfach, denn da draußen gibt es dutzende sich widersprechender Erklärungen.

• die einen sagen, Gefühle sind selbst erzeugt, Emotionen nur Reaktionen auf äußere Umstände
• andere sagen, Gefühle sind Reaktionen auf Reize wie Hunger, Kälte, Druck etc., während Emotionen Produkte des Fühlens sind, die erst nach mentalen Vorgängen (Gedanken, Reflexion, Wünschen) erzeugt werden.

Je nach dem, was jemand erklären will, gibt es anscheinend eine andere Erklärung für die Unterschiede.

Um es nicht unnötig kompliziert zu machen, einigen wir uns für diesen Artikel und fürs Schreiben auf das Folgende:

• Gefühle sind Reaktionen auf physische Reize
• Emotionen sind Reaktionen psychischer Art
• Oft spielen beide ineinander.

Emotionen bei Autor_in, Figur und Leser_in

Bevor ich diesen Artikel geschrieben habe, habe ich bei Instagram gefragt, ob ich einen Artikel darüber schreiben soll, wie man Gefühle beim Leser erweckt oder einen, wie man Gefühle bei Figuren beschreibt.

In Wahrheit lässt sich das gar nicht so strikt trennen.

Wenn ich es als Autorin nicht schaffe, meine Figur authentisch etwas fühlen zu lassen, dann wird der Funke auch bei meinen Leserinnen kaum überspringen.

Das heißt: Der/Die Autor_in hat eine Emotion, diese wird von der Figur gespiegelt und das löst wiederum eine Emotion bei dem/der Leser_in aus.

„Man kann nur über etwas schreiben, das man selbst erlebt hat“, habe ich mal irgendwo gehört oder gelesen. Das sehe ich natürlich anders, denn kaum eine schreibende Person hat jemals einen Mord begangen, jemanden gefoltert oder ist mit Elfen in den Krieg gezogen.

Ich würde es so formulieren:

Man kann nur über das schreiben, in das man sich hineinversetzen kann.

Auch wenn ich selbst noch nie mit einer Waffe bedroht wurde, kann ich die Situation in meiner Fantasie durchspielen. Hier unterscheiden sich dann tatsächlich die Texte voneinander: Wer eine besonders blühende Fantasie hat – sich also sehr gut in eine fiktive Situation begeben kann – dem werden Details auffallen, die anderen entgehen, beispielsweise das Zittern der Finger am Abzug, die körperliche Reaktion auf den Stress (Schweißausbruch, Herzklopfen, leere im Kopf), die plötzlich als unendlich gedehnt wahrgenommene Zeit, die bis zum Zerreißen angespannten Nerven, …

Wenn dir das schwer fällt: Man kann es üben. Einfach mal hinsetzen, eine abstruse Situation konstruieren und überlegen, wie du sie beschreiben würdest.

Gut, nachdem wir das geklärt haben, lass uns mal schauen, wie du als Autor_in Gefühle und Emotionen bei Leser_innen auslösen kannst:

Tipp 1: Mache dir klar, welche Emotionen du auslösen willst

Du schreibst einen Liebesroman, aber auf dem Höhepunkt der Geschichte hat deine Figur einfach nur Angst?

Du schreibst einen Krimi, aber auf dem Höhepunkt der Geschichte verliebt sich der Detektiv Hals über Kopf in seine Kollegin?

Selbstverständlich gibt es eine große Bandbreite an Emotionen, die in deinem Roman vorkommen können (und sollten), aber es ist ratsam, schon zu Beginn zu wissen, auf welche (Haupt-)Emotion du hinarbeiten willst.

Normalerweise nutzt du ja ungefähr die erste Hälfte des Romans, um Spannung, Figuren, Setting und alles andere aufzubauen, was sich dann in einem Höhe- oder Tiefpunkt entlädt, zu einer Veränderung der Hauptfigur und/oder der Umstände führt und in der zweiten Hälfte mit anderer Ausgangslage weitergeführt und beendet wird.

Mache dir klar, welche Emotionen du bei/m Leser_in auslösen willst. Oft deckt sich das mit den Emotionen der Figuren, aber nicht immer (beispielsweise kann der Leser einen Wissensvorsprung haben und weiß, dass die Hauptfigur in eine Falle gerät, wenn sie weiterhin durch den dunklen Wald spaziert, fröhlich pfeifend und tanzend. Der/Die Leser_in empfindet dann Spannung und Aufregung, die Figur hingegen Freude).

Was für ein Buch willst du also schreiben? Was sollen die Leser_innen grundsätzlich beim Lesen als hauptsächliches Gefühl empfinden?

Tipp 2: Erschaffe emotionale Figuren

Über die Wichtigkeit „dreidimensionaler Figuren“ brauche ich hoffentlich nichts mehr zu sagen.

Wenn du einen Roman zu lesen anfängst, gehst du ja erst einmal relativ unvoreingenommen in die Geschichte rein. Du lernst die Hauptfiguren kennen und entscheidest unbewusst, ob dich interessiert, was sie erleben, oder nicht.

Eine sympathische Protagonistin, die gleich am Anfang Unrecht erlebt, erzeugt bei dir als Leser_in Mitgefühl, denn wenn jemand, den man nett findet, Ungerechtigkeit erleben muss, finden wir Menschen das gemein (und das ist ja bereits eine Emotion).

Eine Möglichkeit, Leser_innen emotional mitzunehmen, ist also, die Hauptfigur (zunächst) sympathisch anzulegen. Je näher sich der/die Leser_in der Figur fühlt (Stichwort: Identifikation), desto eher wird er/sie/es sich auch emotional auf diese Figur einlassen.

Figuren eignen sich auch zum Hassen

Oh, wie sehr habe ich mich während des Lesens schon geärgert, war empört oder einfach fassungslos über so viel Unmenschlichkeit und Ungerechtigkeit!

Genau das wollen wir als Autor_innen ja auch erreichen: Sowohl positive als auch negative Emotionen.

Hier habe ich mal beschrieben, wie du dein Fieslinge noch fieser machen kannst.

Tipp 3: Nutze überraschende Momente

Überraschung ist eine unglaublich kraftvolle Emotion, die natürlich etwas sparsam benutzt werden sollte, um ihren vollen Effekt zu offenbaren.

Sowohl der Plot als solcher kann überraschende Wendungen haben (Twists) als auch die Figuren.

Beispiel: Ein Junge läuft den Bürgersteig entlang und entdeckt im Gebüsch eine verwundete Katze. Er grinst, nimmt einen Stock und stochert an dem verletzten Tier herum. Dabei lacht er, verpasst ihr einen Tritt und geht weiter.

Diese Emotion des Jungen (Schadenfreude), gepaart mit einer für die meisten Leser_innen nicht nachvollziehbaren Handlung, wirkt überraschend. Die zu erwartende Emotion der Leser_innen ist negativ: Sie empfinden zuerst Mitleid mit der Katze, dann vielleicht Ekel, Unverständnis und definitiv Antipathie mit dem Jungen.

Durchbrich also ruhig ab und zu die Erwartungshaltung der Leser_innen, indem du eine Figur (immer im Einklang mit ihrer Charakterisierung!) überraschend handeln lässt.

Zur Erklärung mit dem Jungen: Hintergrund seines fehlenden Mitgefühls könnte sein, dass er in seinen jungen Jahren bereits gelernt hat, dass jeder sich selbst der Nächste ist. Wer Schwäche zeigt, wird ausgenutzt – und wer die Schwäche anderer nicht ausnutzt, der droht, selbst zum Opfer zu werden! In seinen Augen ist die Katze selbst Schuld an ihren Verletzungen und hat es nicht anders verdient als gepiesackt zu werden. Sie muss (in seinen Augen) lernen, besser auf sich aufzupassen und Menschen aus dem Weg zu gehen.

Tipp 4: Zeige, statt zu erzählen

Der Lieblingstipp vieler Schriftsteller_innen: Show, don’t tell!

Auch wenn du es nicht mehr hören kannst, aber die Herangehensweise, in einer Szene Emotionen zu zeigen, statt sie zu erzählen, wird deinen Roman auf eine ganz andere Ebene heben.

Sehen wir uns ein Beispiel an:

Angenommen, wir wollen beschreiben, wie unsere Protagonistin – eine noch unerfahrene Jugendliche – allen Mut zusammennimmt und ihren Schwarm verführen will.

Als Anfänger beschreibt man das häufig erzählend:

Langsam öffne ich den Reißverschluss des Zeltes. Noch ist alles still. Unbeholfen kraxele ich auf allen Vieren hinein, wobei X aufwacht.
„Ich bin es nur“, flüstere ich.
„Was ist los?“, fragt er.
Ich weiß nicht, was ich darauf antworten soll. Langsam und ohne ein weiteres Wort ziehe ich mir mein Nachthemd über den Kopf und halte es mir vor die Brust.

Zwar kann diese Szene durchaus von dem einen oder anderen als „spannend“ empfunden werden – immerhin wissen wir, dass es hier um Intimität geht und wir können uns als Leser_innen in die Zeit zurückversetzen, als das alles für uns auch noch mega aufregend war (Nebenbemerkung: auch Jahre später gibt es natürlich noch ähnlich aufregende Situationen 😉 ) – aber so richtig viel Emotion kommt eigentlich nicht rüber.

Ich habe diese Situation aus Anne Freytags „Mein bester letzter Sommer„* und natürlich beschreibt die Autorin diese Szene in echt viel emotionaler. Schauen wir uns das mal an. Ich habe die „Show“-Stellen fett markiert:

Erst als ich auf allen vieren unbeholfen ins Zelt krieche, schreckt er hoch.
„Ich bin es nur“, flüstere ich, als er sich das Haar aus der Stirn wischt und mich panisch ansieht.
„Was ist los?“, fragt er und seine Stimme klingt ungewohnt rau.
Ich sehe ihn nur an, aber ich kann nicht sprechen. Die Nervosität schnürt mir die Kehle zu.
„Geht es dir gut?“
Ich nicke kurz.
„Sicher? Ich meine …“
Ich strecke meine zitternden Finger aus und lege sie auf seine Lippen. Mir wird erst jetzt klar, wie unglaublich kalt sie sind, als sie auf seine Wärme treffen.
X sieht mich an. Erwartungsvoll. Und vielleicht etwas unsicher.
Ich atme einmal tief ein und schließe kurz die Augen, dann ziehe ich mir langsam das Nachthemd über den Kopf, halte es mir aber verunsichert vor die Brust.

Die Autorin benutzt hier mehrere Stilmittel, um eine gewisse Stimmung und damit verbunden auch bestimmte Emotionen zu erzeugen: Sie spricht diverse Sinne an (mehr dazu gleich), mischt Beschreibungen, Erzählung (tell) und „Show“, und schafft es durch die Handlung der Ich-Erzählerin, uns das Grundgefühl „Nervosität“ zu übermitteln.

Tipp 5: Foreshadowing

Ein effektives Mittel, das du aber wirklich, wirklich, wirklich nur sehr dosiert einsetzen solltest, ist das so genannte „Foreshadowing“, also die Andeutung, dass sich zukünftig noch etwas Schlimmes (oder Gutes) ereignen wird.

Typischerweise lautet ein solcher Satz: „Hanna ahnte noch nichts von den Qualen, die sie wenige Stunden später erleiden sollte, als sie an diesem Morgen unbekümmert den Teelöffel in ihrer Tasse kreisen ließ.“

Als Leser_innen sind wir auch bereits darauf trainiert, Unheil zu erwarten, wenn eine Situation „zu schön ist, um wahr zu sein“. Wenn also für deine Figur gerade alles super läuft, ahnt der/die Leser_in bereits, dass demnächst etwas passieren wird, was diese Idylle trübt. Das erzeugt dann ein Gefühl von Spannung.

Tipp 6: Erhöhe die Fallhöhe

Ich habe bereits ausführlich in diesem Podcast darüber gesprochen, wie du die Fallhöhe deiner Figuren mit der Zeit ausbauen kannst.

Je mehr für deine Figur auf dem Spiel steht, desto spannender ist es und desto mehr fiebert man als Leser_in mit.

Voraussetzung dabei ist, dass wir Leser_innen uns bereits emotional mit den Hauptfiguren verbunden haben, denn sonst ist es uns ziemlich egal, was Schlimmes passiert. Je größer unsere Verbundenheit mit der Figur ist, desto mehr leiden, fiebern und freuen wir uns mit ihr.

Tipp 7: Erschaffe Dilemmata

Was Menschen emotional richtig in Bedrängnis bringen kann, ist die Wahl zwischen Pest und Cholera.

Wir versuchen ja, in unseren Leben immer „richtig“ zu entscheiden (was natürlich für jeden was anderes bedeutet). Niemand entscheidet sich gerne zwischen zwei schlechten Alternativen.

Wenn wir eine Geschichte lesen, erleben wir das Geschriebene mit. Wir lassen uns auf die Welt ein, die die Autor_innen erschaffen haben und die Hauptfiguren treffen an unserer Stelle Entscheidungen.

Ein Dilemma ist deshalb so emotional behaftet, weil es kein „Richtig“ und „Falsch“ gibt. Ist eine Figur einem Dilemma ausgesetzt, fragen wir uns gespannt, wie sie sich entscheiden wird – und hoffen auch insgeheim, eine Entscheidungsgrundlage für uns daraus mitnehmen zu können, falls wir mal in ein Dilemma geraten.

Beliebtes Beispiel für ein Dilemma:

Tom ist Weichensteller bei der Bahn. Er sieht, dass eine Lok auf eine Gruppe von fünf Bahnarbeitern zurast, die sterben werden, wenn Tom nichts unternimmt.
Er kann die Weichen umstellen und den Zug so lenken, dass er eine andere Richtung nimmt, aber auf dem anderen Gleis arbeitet ebenfalls jemand.
Darf er den Tod einer Kauf Person in Kauf nehmen, um fünf zu retten?

Dieses Dilemma gibt es in zigfacher Variation und du kannst es dir beim Schreiben ebenfalls zu Nutze machen. Wie kannst du eine Situation konstruieren, in der sich deine Figur zwischen zwei falschen Dingen entscheiden muss?

Tipp 8: Symbolik und Setting beachten

Eigentlich ist dieser Tipp noch ein Teil von „Show, don’t tell“, aber mit einem etwas anderen Schwerpunkt. Dieser Tipp stammt von Autorin und Lektorin Anke Müller, die auf ihrem Blog auch tolle Beiträge zum Schreiben hat.

Wenn du eine Szene beschreibst, dann vergiss nicht, auch den Ort des Geschehens zu „zeigen“. Einerseits ist das gut, um sich als Leser_in zu orientieren (die Atmosphäre in einer 150 Jahre alten Bibliothek ist eine andere als in der Uni-Bibliothek, die letztes Jahr gebaut wurde; und Atmosphäre beeinflusst Emotionen), andererseits kannst du das Setting auch für Symbolik verwenden.

Stell dir beispielsweise vor, wir haben einen Raum, in dem eine kleine Kette mit einem goldenen Herz auf dem alten Nachttisch liegt. In dem Anhänger ist ein altes Foto einer lachenden Frau. Wir lernen in der Szene, dass die Frau die verstorbene Mutter des Protagonisten ist und diese Kette das Einzige, was er von ihr noch hat.
Wenn im Laufe der Geschichte diese Kette verschwindet oder zerstört wird, löst das bei Figuren und Leser_innen Emotionen aus, weil wir mit der Kette mehr verbinden als ein schnödes Schmuckstück. Es repräsentiert Erinnerungen, Mutterliebe, Verlust, Schmerz und Vertrauen in einem. Man sagt, der Gegenstand ist „emotional aufgeladen“.

Tipp 9: Verändere die Emotionen

Wenn du dich bereits damit beschäftigt hast, wie man Szenen spannend gestalten kann, dann ist dir dieser Tipp womöglich bekannt.

Jede Szene sollte irgendeine Art von Veränderung mit sich bringen.

Laut Robert McKee in „Story„* gibt es drei Voraussetzungen, die erfüllt sein müssen, um in einer Szene Emotionen zu erzeugen:

1. Leser_innen müssen eine Verbindung zum Protagonisten haben
2. Wir müssen wissen, was die Figur will (Ziel/Absicht)
3. Wir müssen die Werte kennen, die der Figur wichtig sind

Emotionen sind kurzweilig. Wenn wir eine Figur dabei begleiten, wie sie vom „Tellerwäscher zum Millionär“ wird, und auf dem Höhepunkt der Geschichte alles erreicht hat, was sie sich immer erträumt hat, fragen wir uns als Leser_innen: „Und nun?“ Wir wollen, dass die Geschichte weitergeht, wir wollen mehr Emotionen haben.

Wenn die Geschichte zu diesem Zeitpunkt bereits auf dem Höhepunkt positiver Emotionen ist, gibt es nur einen Weg: Abwärts. Und zwar tiefer als zu Beginn der Geschichte.

Das ist mit „Veränderungen der Emotionen“ gemeint. Am Anfang fiebert man mit dem armen Typen mit, der so gerne ein schönes Leben führen würde, aber nicht die Mittel hat. Er wird reicher, wir freuen uns mit ihm, und irgendwann hat er sein Ziel erreicht. Ein emotionaler Roman schafft es, auf diesem Weg viele positive und negative Emotionen hervorzurufen: Vielleicht geschieht ihm anfangs viel Ungerechtigkeit, dann hat er mal Glück, das aber zu einem neuen Unglück führt. Er arbeitet sich hoch, bekommt den verdienten Lohn, der ihm dann aber geraubt wird. Er lernt jemanden kennen, verliebt sich, bekommt einen neuen Job und alles wirkt harmonisch (= er hat seine Ziele erreicht, nun muss was Schlimmes passieren), doch dann stellt sich heraus, dass seine neue Flamme eine Betrügerin ist, die ihm alles Geld abnimmt und Schulden hinterlässt. Statt in einer armen Familie, wie am Anfang, muss unser Typ nun auf der Straße leben. Aber er gibt nicht auf. Er besinnt sich auf seine Motivation und seine Träume, findet einen Ausweg aus seiner Situation, wird ein ehrlicher Geschäftsmann und kämpft sich zurück ins Leben. Letztlich wird er glücklich und wir als Leser_innen gönnen ihm das von Herzen und lassen ihn seiner Wege ziehen.

Dieses „Auf und Ab“ der Emotionen ist wichtig, um Leser_innen zum Weiterlesen zu animieren. Letztlich kannst du jede Szene so aufbauen, dass sie mit einer positiv oder negativ aufgeladenen Emotion beginnt und mit einer gegenteiligen Emotion endet – oder wenigstens zwischendrin eine entsprechende Veränderung vorgenommen wird.

Tipp 10: Lasse deinen Erfahrungsschatz einfließen

Eingangs habe ich gesagt, dass man sehr wohl über Dinge schreiben kann, die man so nicht selbst erlebt hat. Wie geht das?

Einerseits, indem du deine Fantasie arbeiten lässt, aber andererseits auch, indem du Emotionen aus Situationen, du du wahrhaftig erlebt hast, auf neue Situationen überträgst.

Beispiel:

Nehmen wir an, du hast in deinem Leben schon einmal so richtig heftigen Liebeskummer erlebt. Nicht einfach nur Trauer darüber, dass eine Beziehung auseinandergegangen ist, sondern dieses Gefühl, dass du ohne den anderen nicht leben kannst und die Welt ihr Licht verloren hat, seit du verlassen wurdest. Dieses Gefühl, als hättest du kein Herz mehr, sondern nur noch ein klaffendes schwarzes Loch in der Brust, das bis zum Rand mit Wehmut, Trauer und Aussichtslosigkeit gefüllt ist.

Wenn du jetzt in deinem Roman eine traurige Szene über Abschied (Liebeskummer, Tod) schreiben musst, kannst du dich in die Zeit deines Liebeskummers zurückversetzen (was weh tun wird) und die aufkommenden Emotionen aufschreiben.

Du kannst mit diesen Erfahrungen beschreiben, wie sich die Protagonistin fühlt, nachdem ihr Vater gestorben ist. Zwar hast du als Autor_in diesen Verlust (hoffentlich) nicht selbst erlebt, aber du weißt, wie es sich anfühlt, einen geliebten Menschen nicht mehr im Leben zu haben. Diese Erfahrung überträgst du.

Anderes Beispiel:

Dein Protagonist ist der Zwerg Halmel, der mit seinem Volk in die Schlacht gegen einen Drachen ziehen soll.
Welche Emotionen erlebt er hierbei wohl?

Vielleicht hast du selbst mal erlebt, dass du in eine sehr unangenehme Situation gehen musstest, sei es eine Gehaltsverhandlung, ein Gerichtstermin, ein Auftritt auf einer Bühne oder etwas anderes. Was waren deine Ängste und wie lässt sich das auf Halmel übertragen?
Wie wird die Atmosphäre sein, wenn eine bedeutende Schlacht ansteht? Worüber sprechen die Zwerge untereinander, wie bereiten sie sich und ihre Waffen vor?

Überlege, ob es Situationen aus deinem Leben gibt, bei denen du ähnliche Gefühle/Emotionen hattest wie deine Figuren in ihrer Situation. Versetze dich zurück in die Gefühle von damals und übertrage das auf die fiktive Szene.

Alle Punkte sind wichtig

Das waren 10 Möglichkeiten, um Emotionen beim Lesen auszulösen. Wie du siehst, ist immer das Zusammenspiel von Autor_in, Figuren und Leser_innen betroffen, man kann es nicht voneinander trennen. 

Je mehr du alle diese Dinge in deinem Buch berücksichtigst, desto höher ist die Chance, die gewünschten Gefühle zu erwecken.

Jetzt hätte ich von dir gerne mal gewusst, bei welchem Roman du besonders viele oder tiefgehende Emotionen hattest. Beim Lesen welches Buches musstest du weinen, und welche Buch hast du vor Ärger in die Ecke gepfeffert? Ich bin gespannt auf deine Empfehlungen!

In jeder Geschichte herrscht eine gewisse Balance: Mal geht es hoch her, dann gibt es ruhigere Szenen. Der Protagonist hat einen Antagonisten als Gegenspieler. Am Ende hat man einen Gewinner und einen Verlierer.

Oder?

Nicht immer.

Wir wenden uns heute mal dem Thema der Antagonisten zu und beleuchten, welche Alternativen es zu personifizierten Gegenspielern gibt.

Was ist eigentlich ein Antagonist?

Ein Antagonist (oder eine antagonistische Kraft) ist, ganz allgemein gesagt, der Gegenspieler des Romanhelden, der ihn daran hindern soll, sein Ziel zu erreichen oder ihm sogar schaden soll.

Sehr oft verkörpert der Antagonist dabei das Negativbild des Protagonisten: Ist der Protagonist fröhlich, hilfsbereit und naiv (zum Beispiel Rotkäppchen), dann ist der Antagonist meistens böse, egoistisch und schlau.

In der Realität sieht es natürlich so aus, dass die meisten Antagonisten komplexer sind und keine bloßen Abziehbilder. Zudem gibt es selten nur einen einzigen Gegenspieler für den Helden, sondern viele „antagonistische Kräfte“, die sowohl unabhängig voneinander als auch gemeinsam agieren können.

Alternativen zu personifizierten Antagonisten

Es gibt natürlich trotz aller Individualität einige Gemeinsamkeiten bei allen Antagonisten, beispielsweise dass sie sich oft in eine der folgenden Kategorien einteilen lassen:

Der mächtige Bösewicht

Klassiker der Literatur. Dem Helden wird eine Person gegenübergestellt, die ihn am Weiterkommen hindert und eigene (böse) Pläne verfolgt.

• Voldemort in „Harry Potter“
• Die Hexe in „Hänsel und Gretel“
• Sauron in „Herr der Ringe“
• Alle Mörder in Krimis 😉

Der unscheinbare Gegenspieler

Nicht nur, aber ganz besonders bei Liebesromanen haben wir selten mit wirklich bösen Menschen zu tun. Meistens geht es einfach um verschiedene Interessen oder darum, die gleiche Sache zu erreichen: Bei einer klassischen Dreiecksbeziehung in einem Liebesroman haben wir einen Helden, ein „Love Interest“ und einen Gegenspieler (alles auf alle Geschlechter bezogen). Das können alles drei sehr nette Figuren sein, aber wenn zwei in jemanden verliebt sind, entstehen normalerweise Konflikte.

Hier ein paar Beispiele:

• Draco Malfoy in „Harry Potter“
• Allies Mutter in „Wie ein einziger Tag“ (ist gegen die Beziehung der Protas)
• die meisten Gegenspieler in Liebesromanen 😉

Das System, die Natur und Abstraktes

Man kann nicht nur gegen eine einzige Person ankämpfen, sondern gegen ganze Systeme. Hier kommen wir bereits das erste Mal mit „unkörperlichen Antagonisten“ in Berührung, denn ein System kann man erst einmal nicht anfassen, ist also körperlos. 

Viele Autoren bedienen sich hierbei gerne der Möglichkeit, eine Person stellvertretend für ein System als Antagonisten zu kreieren (z.B. „Präsident Snow“ stellvertretend für „Das Kapitol“ in „Die Tribute von Panem“), aber das ist kein Muss.

Auch die Natur kann ein Gegenspieler des Helden sein, wenn er ihr ausgeliefert ist und sich ihr widersetzen muss.

Beispiele für das System als Antagonist:

• Das Kapitol in „Die Tribute von Panem“
• Die Bürokratie und der Staat in „Der Prozess“ von Franz Kafka

Beispiele für die Natur als Antagonist:

• Der Ozean in „Life of Pi – Schiffbruch mit Tiger“ (hier in Kombi mit anderen Antagonisten wie dem Tiger)
• Die Insel in „Cast Away – Verschollen“
• Die Kälte in „The Day After Tomorrow“
• Die Natur in „The Revenant“
• Der Weltraum in „Gravity“

Beispiele für Technologie als Antagonist:

• Die Roboter in „I, Robot“
• Die Gesellschaft und die Technik in „Minority Report“
• Ava in „Ex Machina“

Übersinnliche und außerirdische Antagonisten

Ist wohl selbsterklärend, oder? Manchmal ist der Antagonist eine vage Kraft oder ein unbekanntes Wesen aus dem Weltraum.

• Pazuzu, Dämon in „Der Exorzist“
• Samara Morgan, Geist in „The Ring“
• Die Aliens in „Independence Day“
• Die Fähigkeit des Zeitreisens in „Die Frau des Zeitreisenden“

Innere Konflikte als Antagonisten

Sehr oft höre ich von Autor_innen, dass es in ihrer Geschichte keinen Antagonisten gibt, sondern der Protagonist gegen sich selbst ankämpfen muss.

In diesem Podcast habe ich das Thema bereits mal angesprochen.

Es ist zwar durchaus möglich, innere Konflikte zu antagonistischen Kräften zu erheben, aber eine „Kernaufgabe“ des Antagonisten ist ja, aktiv die Pläne des Helden zu durchkreuzen. Das ist bei etwas Abstraktem wie „inneren Konflikten“ schwer zu realisieren.

Zudem hat sowieso jede Hauptfigur innere und äußere Konflikte – nur dass bei der Variante „innere Konflikte sind mein Antagonist“ häufig die äußeren Konflikte fehlen. Meistens muss man sich dann für die Handlung anderer Antagonisten bzw. antagonistischer Kräfte bedienen, um überhaupt etwas zu erzählen zu haben.

Es gibt aber Beispiele, bei denen es gut klappt:

„Stolz und Vorurteil“ von Jane Austen beispielsweise benutzt eben dieses – Stolz und Vorurteile – als Antagonisten zwischen den Figuren. Da macht Mr. Darcy der Angebeteten einen Heiratsantrag, obwohl sich seine gesellschaftliche Stellung verschlechtern würde, aber sie lehnt ab, weil sie zu stolz ist, quasi nur aus Dankbarkeit „nach oben“ zu heiraten. Ihr Ziel (bzw. ihr von der Mutter vorgegebener Auftrag) ist es, zu heiraten, und ihr Stolz steht ihr im Wege.

Sie ist also ihr eigener Antagonist, wenn man so will.

Sonderfall: Schizophrenie und Co.

Viele Filme und Bücher mit besonderen Twists basieren auf Krankheitsbildern wie multipler Persönlichkeitsstörung, Schizophrenie, Wahnvorstellungen, und so weiter. Diese Krankheiten können entweder – im Falle der multiplen Persönlichkeit – tatsächlich als „Person“ und somit als „körperlicher Antagonist“ auftreten, oder aber der Auslöser für antagonistische Kräfte sein.

Die Krankheit per se kann ja nicht aktiv werden und ist deshalb kein richtiger Antagonist, aber ihre Auswirkungen führen dazu, dass sich etwas zu einem Antagonisten entwickelt.

Tipps für körperlose Antagonisten

Wenn du dich fragst, wer eigentlich der Antagonist in deinem Roman ist (und oft gibt es ja mehrere), dann überlege, wer aktiv die Zielerreichung deines Helden beeinträchtigt. Wer oder was hält deinen Protagonisten davon ab, sein Ziel zu erreichen oder seinen größten Wunsch zu stillen?

Damit sind wir auch beim ersten Tipp:

Gib dem Protagonisten ein starkes Ziel / einen starken Wunsch

Gerade wenn du damit liebäugelst, den Protagonisten gegen etwas Abstraktes wie „Stolz“ ankämpfen zu lassen, ist es umso wichtiger, ihm ein begehrtes Ziel vor die Nase zu setzen.

Der Wunsch oder Auftrag, dieses Ziel zu erreichen, muss sehr groß sein, damit der Protagonist sich selbst und seine inneren Konflikte überwinden kann.

Kombiniere verschiedene antagonistische Kräfte

Vielleicht gibt es bei dir nicht „den einen“ Gegenspieler, sondern viele verschiedene: Da kämpft dein Held gegen die Natur, gegen Selbstzweifel, gegen ein Heer aus Soldaten und schließlich gegen das System. Achte hierbei auf einen roten Faden, der alles zusammenhält (zum Beispiel durch eine Mission, die der Held zu erfüllen hat), damit es nicht wie eine Sammlung von Kurzgeschichten wirkt, sondern alle Episoden miteinander verwoben sind.

Personifiziere den Antagonisten

Ich möchte es nur der Vollständigkeit halber erwähnen: Statt den Protagonisten gegen „das System“ kämpfen zu lassen, kannst du ihm Personen vorsetzen, die „das System“ verkörpern, zum Beispiel Beamte, Richter, Polizisten oder Politiker. Wenn du dabei eine Person besonders hervortreten lässt, wird dieser womöglich zum Antagonisten des Romans.

Wie sind deine Erfahrungen?

Hast du mal Geschichten mit „alternativen Antagonisten“ geschrieben und wenn ja, welche Herausforderungen sind dabei aufgetreten?

Kennst du selbst Bücher oder Filme mit solchen Antagonisten? Teile sie mit uns in den Kommentaren!

Vielleicht ist es ein subjektives Empfinden, aber ich habe das Gefühl, dass sehr, sehr, SEHR viele Menschen in den letzten Jahren damit liebäugeln, ihre Autobiografie zu schreiben.

Ich bekomme derzeit gehäuft Anfragen zu diesem Thema, meistens von angehenden Autorinnen und Autoren jenseits der 60, die über ihre Familiengeschichte schreiben wollen: Flucht aus Kriegsregionen, Neuanfänge, Wirtschaftsauf- und -abschwünge, gepaart mit persönlichen Liebesgeschichten und Schicksalen.

Dein Roman ist fertig. Du hast Stunden investiert, um die Figuren zu erstellen, dir die Geschichte zu überlegen, Konflikte zu erfinden und alles aufzuschreiben (okay, du hast vermutlich sogar Monate dafür investiert!).

Und dann liest du alles noch einmal und stellst fest, dass du noch einiges verändern musst. Es beginnt die Überarbeitung.

Jeder von uns kennt Romane und Filme mit überraschenden Wendungen, die wir nicht haben kommen sehen. Im klassischen Aufbau eines Romans (dem Dreiakter, Vierakter oder Fünfakter) werden sogar an mehreren Stellen Wendungen vorgegeben. Aber wie schaffst du es, einen so genannten „Plot Twist“ unerwartet und trotzdem glaubhaft zu konstruieren, ohne dass es konstruiert aussieht?

Die folgenden Tipps können dir dabei helfen.

Übrigens: Du musst dich natürlich nicht an die Vorgaben halten, die dir Strukturen wie der Vierakter vorgeben. Ein Twist kann dann passieren, wenn du ihn für richtig hältst.

Tipp 1: Meide, was erwartet wird.

Der Tipps klingt ziemlich simpel: Wenn du jemanden überraschen willst, dann tu nicht das, womit er rechnet. Sei kreativ, sei originell.

Leichter gesagt als getan? Eigentlich nicht, du musst nur etwas Gehirnschmalz investieren.

Wenn du deinen Höhepunkt planst (oder als Discovery Writer gerade dabei bist, ihn aufzuschreiben), dann streiche die erstbeste Idee, die dir in den Sinn kommt.

Beispiel: Kommissarin Emmi jagd den Mörder ihres besten Freundes. Wer ist es gewesen?

Erste Idee: Die Haushälterin (aka „der Butler“ oder „der Gärtner“), die heimlich in ihn verliebt war, ihn nie haben konnte und nun aus Eifersucht gehandelt hat.

Diese erste Idee wird verworfen, weil sie am wahrscheinlichsten ist. Deine Leserinnen und Leser fiebern ja dem Höhepunkt entgegen und wenn ihnen dann genau das serviert wird, was sie erwartet haben, bleibt ein fader Nachgeschmack. Als Leser wollen wir überrascht werden.

Überlege dir also, welche zweite Idee dir in den Sinn kommt.

Streiche sie ebenfalls.

Beispiel: Es war nicht die Haushälterin, sondern eine gemeinsame Freundin von Emmi und Jo, die ihrerseits heimlich in ihn verliebt war und aus Eifersucht gehandelt hat.

Überlege dir weitere Ideen und streiche sie ebenfalls. Dein Ziel ist es, etwas Unerwartetes zu erschaffen. Wenn dein Leser/deine Leserin diese Szene liest, soll er/sie staunend da sitzen und denken: „Wow, das hab ich nicht kommen sehen! Unglaublich!“ Und trotzdem muss es sich organisch in die Gesamtgeschichte einfügen. Deshalb ist es wichtig, eine überraschende Wendung gut vorzubereiten:

Tipp 2: Lege die Fährten subtil aus

Wenn die Lesenden mitdenken und raten können (und dabei immer wieder falsche Rückschlüsse ziehen), macht das Lesen mehr Spaß als wenn einem alles vorgekaut wird. Wirf Brotkrumen hin und lasse den Leser/die Leserin selbst entscheiden, ob er/sie sie beachtet oder nicht.

Frage dich bei der Vorbereitung eines Twists also, wie du die Hinweise darauf noch besser verstecken kannst. Ablenkung ist hier ein gutes Stichwort: In einer Kampfszene beispielsweise ist man als Leser/in oder Zuschauer/in oft zu abgelenkt, um die Details aufzunehmen. Mehr dazu gleich.

Manche Hinweise ergeben sich erst aus der Geschichte selbst, beispielsweise wenn in einem Krimi neue Beweismittel auftauchen, die helfen, dass die Kommissare in eine andere Richtung denken oder Verbindungen entdecken, die ihnen vorher nicht klar waren. Auch dies kann zu einem Twist führen.

Oftmals neigt man als Autor/in dazu, wichtige Informationen zu früh preiszugeben. Hab Geduld! Du möchtest, dass dein/e Leser/in überrascht wird, also halte alles zurück, was er/sie zu diesem Zeitpunkt nicht unbedingt wissen muss.

Tipp 3: Lenke die Aufmerksamkeit auf etwas anderes

Ich erinnere mich noch sehr gut an mein erstes Leseerlebnis bei „Harry Potter und der Stein der Weisen“. Dort wurde im 6. Kapitel eine Information in einem Nebensatz erwähnt, die später im 13. Kapitel eine entscheidende Rolle spielt. Man liest den Satz, merkt sich aber nicht den Inhalt, da man als Leser/in zu beschäftigt damit ist, sich in der „Neuen Welt“ zurechtzufinden (ebenso wie der Protagonist) und mit den ganzen neuen Begriffen klarzukommen. Aber der Hinweis steht dort und man hätte ihn sich merken können.

Das sind gut versteckte Hinweise (von denen es übrigens unzählige in den Harry-Potter-Büchern gibt), denn sie sind da, aber meine Aufmerksamkeit als Leserin liegt gerade woanders. Verstecke deine Hinweise also in Nebensätzen, belanglosen Handlungen oder nutze allgemeines Chaos, um sie einzustreuen.

Aber Achtung: aufmerksame Leser/innen merken in der Regel schnell, wenn man ihnen einen Köder vorwirft! Lass dein Versteck also vor einer Veröffentlichung von Testlesern testen.

Tipp 4: Mit Erwartungen spielen

Wann ist eine Überraschung effektiv? Wenn ich etwas erwarte und etwas anderes geschieht (wie schon in Tipp 1 erwähnt). Diese Erwartungshaltung, die jede/r Lesende an ein Buch hat, kannst du ausnutzen.

Ein Beispiel – Achtung, Spoiler-Alarm! Es geht um das Ende von „Life of Pi“*. Wenn du den Film noch nicht gesehen oder das Buch („Schiffbruch mit Tiger“) noch nicht gelesen hast, dann springe bitte zum nächsten Punkt.

In „Life of Pi“ erzählt uns der Protagonist Pi von seinem Leben, insbesondere von der Episode, als er als einziger den Untergang eines Frachters überlebt, in dem Zootiere transportiert wurden. Er kommt auf einem Rettungsboot unter, das er sich fortan mit einem Zebra und einer Hyäne teilt. Später kommt ein Orang-Utan dazu und eben auch ein Tiger. Es wird berichtet, wie der Kampf zwischen den verschiedenen Tieren und Pi aussieht, wie sie sich fast gerettet wähnen, aber dann doch von einer seltsamen Insel fliehen müssen, und so weiter. Wenn man den Film sieht, kategorisiert man ihn als Fantasy-Film ein.

Am Ende jedoch – und hier kommt der Spoiler – wird klar, dass die Tiere lediglich symbolisch für echte Menschen standen: Tatsächlich hat Pi nicht als einziger überlebt, sondern mit ihm ein Koch (Hyäne) und ein Matrose (Zebra). Außerdem war seine Mutter anwesend (Orang-Utan). Der Tiger steht für Pi selbst und seinen Überlebenswillen. Der Koch hat versucht, den verletzten Matrosen zu retten, was ihm jedoch nicht gelang. Daraufhin hat er ihn als Fischköder benutzt und Pis Mutter umgebracht, als sie sich in einem Kampf schützend vor Pi gestellt hat. Das ganze Buch bzw. der ganze Film erzählt also im Grunde zwei Geschichten und man wird sie nie wieder so erleben wie beim ersten Lesen, als man die Symbolik noch nicht kannte.

Das macht einen richtig guten Twist aus.

Die Erwartungen an die Geschichte, die sich aus dem Genre ergeben, wurden also übertroffen. Es geht nicht nur um Tiere, ominöse Zauberinseln und übersinnliche Begebenheiten, sondern um eine tragische Geschichte zwischen Menschen und den Glauben an Gott.

Wenn du weißt, welche Erwartungen Leser/innen an das Genre haben, kannst du dies nutzen, um die Erwartungen zu übertreffen.

In den Büchern der „Games of Thrones“-Reihe („Das Lied von Eis und Feuer“*) beispielsweise sterben viele Charaktere, von denen man es nicht denkt, weil die Genre-Regeln eigentlich besagen, dass die „Guten“ nicht sterben – oder wenn, dann bitte nur ein, zwei Nebenfiguren, die entbehrlich sind. Sobald Charaktere aus dem Hauptcast sterben, schockierst du als Autor/in deine Leser. Die Erwartungen werden in diesem Fall enttäuscht, aber gleichzeitig baust du damit eine sehr große Spannung auf, weil deine Leser/innen wissen, dass keine Figur wirklich sicher ist.

Tipp 5: Alles muss auf Augenhöhe passieren!

Der Held gerät in eine schreckliche Situation. Zustände spitzen sich zu. Da kommt er niemals lebend heraus! Ihm bricht der Schweiß aus, die Wände werden enger und plötzlich taucht der Antagonist mit gezogener Waffe auf. „Das war es“, sagt er und drückt ab … und dein Held erwacht aus seinem Albtraum.

Dieser klägliche Versuch eines „Twists“ ist nicht nur mittlerweile ein Klischee, das du vermeiden solltest, sondern macht vor allem eines: Er veräppelt die Leser/innen und sie kommen sich vorgeführt vor.

Romane zu schreiben heißt auch, die Leser/innen um Vertrauen zu bitten. Sie glauben dir, dass du ihnen eine gute Geschichte erzählen wirst. Dass es sich lohnt, auf Haushalt, Einkaufen, Fernsehen, andere Romane oder ein Treffen mit Freunden zu verzichten, um diese von dir erdachte Geschichte zu lesen. Dass du ihnen eine fiktive Wahrheit erzählst – oder aber eine so ausgeklügelte Lüge, dass sie am Ende dennoch zufrieden sind, weil du es einfach so geschickt eingefädelt hast (siehe „Life of Pi“).

Deine Leser/innen dürfen sich niemals – pardon – verarscht vorkommen, sonst klappen sie womöglich das Buch zu und widmen sich Dingen, die ihnen mehr Respekt entgegenbringen.

Wie bereits erwähnt, sollten deine Twists so angelegt sein, dass man sie hätte kommen sehen können, wenn man denn 1 und 1 zusammengezählt hätte. Die Leser/innen dürfen sich ruhig selbst vorwerfen, dass sie den Twist vorausgeahnt hätten, wenn sie aufmerksamer gewesen wären, denn es heißt, dass du ihnen alles mitgeteilt hast, was sie wissen mussten, um selbst auf diese Idee zu kommen.

Tipp 6: Führe deine Charaktere in die Irre

Es ist schwierig genug, seine Leser/innen in die Irre zu führen, aber manchmal ist es noch schwieriger, das bei seinen Charakteren zu tun.

Stell dir vor, deine Heldin muss die Welt vor einer Bedrohung retten. Sie erfährt, dass sie dazu in die feindliche Hauptzentrale eindringen muss, um dort einen Schlüssel zu klauen, mit dem sie die Zeitbombe anhalten kann. Auf ihrem Weg passiert sie viele Gefahren, verliert ihren besten Freund, erlebt weitere Verlust und Verletzungen und muss sogar ihre eigene Mutter dazu bringen, sich zu opfern, damit sie an den Kasten kommt, in dem der Schlüssel sein soll – nur um dann zu erfahren, dass vor ihr jemand schneller war und den Schlüssel an sich genommen hat. Sie ist am Boden zerstört, will alles hinschmeißen, realisiert aber dann, dass gar nicht dieser Schlüssel gemeint war, sondern etwas, das in ihrer Vergangenheit liegt. Sie erkennt die Zusammenhänge, die schon die ganze Zeit da waren, und findet heraus, dass sie selbst als Schlüssel agieren muss. Mit neuer Zuversicht tritt sie dem Antagonisten entgegen, bereit, für die Rettung der Menschheit zu sterben.

In dieser kurzen Outline haben wir die Situation, dass die Heldin lange Zeit auf einer falschen Fährte ist. Als Leser/in fühlt man mit ihr, wenn sie förmlich bei der Erkenntnis zusammenbricht, dass all die Opfer „für nichts“ gebracht wurden. Es ist dann umso wichtiger, dass den Opfern und Entbehrungen am Ende doch ein Sinn gegeben wird, damit man als Leser/in nicht frustriert ist. Leid ohne Sinn dahinter ist gedankenlose Gewalt, die in keiner guten Geschichte etwas verloren hat.

Denke selbst einmal an Situationen aus Büchern oder Filmen, in denen Figuren auf dem falschen Weg waren. Wie haben sie herausgefunden, was die Wahrheit ist? Hätte man als Leser/in selbst darauf kommen können oder kam der Twist überraschend?

Nicht alle Twists müssen im Nachhinein vorhersehbar sein! Das obige Beispiel zeigt, dass man als Leser/in keine Anhaltspunkte darüber hatte, dass der Schlüssel nicht an seinem Ort ist. Die eigenen Erkenntnisse wachsen mit dem inneren Wachstum der Heldin, was Leser/in und Heldin zusammenschweißt und für eine gute Unterhaltung sorgt.

Tipp 7: Erzwinge eine bestimmte Reaktion

Im Grunde reagieren deine Leser/innen auf einen Twist mit einem von drei möglichen Ausrufen:

• Nein! Das hätte ich nie gedacht!
• Wow, gute Idee!
• Oh ja, was für ein genialer Twist!

Natürlich nicht genau mit diesen Worten, aber zumindest von der emotionalen Reaktion her.

Mache dir vorher darüber Gedanken, welche emotionale Reaktion zu hervorrufen willst.

„Das hätte ich nie gedacht!“

Diese Gedanken kommen, wenn deine Leser/innen klare Erwartungen haben, die du übertriffst. Du kreierst eine Situation, in denen es scheinbar nur einen einzigen Ausweg gibt (das schürt eine gewisse Erwartungshaltung), aber dann kommst du mit einer ganz anderen Lösung daher – idealerweise einer, die sich früher im Roman bereits angebahnt hat.

Du zeigst ihnen, dass es mehr gibt als das, was sie oberflächlich sehen, und das regt zum Nachdenken an.

„Wow, gute Idee!“

Im Gegenteil zur ersten Variante, in der du deine Leser/innen dazu bringst, sich auf gewisse Dinge zu verlassen, nur um ihnen dann etwas anderes vorzusetzen, geht es bei dieser Variante um Unsicherheit.

Kurz gesagt: Der/Die Leser/in hat keine blassen Schimmer, was als Nächstes passiert und ist von deinem Einfallsreichtum begeistert.

Das geschieht sehr häufig in Krimis oder Thrillern, wenn es um die Tatverdächtigen geht. Jeder hat ein Motiv – oder niemand. Der/Die Leser/in weiß auch nach über der Hälfte des Buches noch immer nicht, wer der Mörder sein könnte, oder hat mehr Verdächtige als Unschuldige. In deinem Twist wird dann klar, dass alle Hinweise auf diesen einen Täter gedeutet haben.

„Oh ja, was für ein genialer Twist!“

Meiner Meinung nach die wirkungsvollste, aber schwierigste Variante, ist diese, bei der du unheimlich viel Köpfchen beweisen musst.

Diese Twists basieren typischerweise auf „Chekhov’s Gun“ (= eine Sache wurde am Anfang des Romans erwähnt, die Leser/innen haben es mittlerweile vergessen und jetzt fällt es ihnen wieder ein und sie sind begeistert, dass die Lösung so offensichtlich war, sie aber nicht darauf gekommen sind) oder bedienen sich am Prinzip des Unzuverlässigen Erzählers. Auch psychische Krankheiten wie Multiple Persönlichkeitsstörung sind fast schon Klassiker, die einen unerwarteten, aber glaubhaften Twist ans Ende einer Geschichte setzen.

Hohe Ansprüche? Und ob!

Vielleicht hast du nach der Lektüre dieses Artikels das Gefühl, dass da viel Arbeit auf dich zukommt, wenn du großartige Twists kreieren willst. Ja, das kann durchaus der Fall sein.

Zum Glück musst du da nicht allein durch.

Ich möchte dich an dieser Stelle auf meinen anstehenden Online-Workshop aufmerksam machen, der am 9. September 2019 beginnt und fünf Wochen andauert. Hier habe ich alles im Detail dazu aufgeschrieben.

Die Kurzfassung: In einer kleinen Gruppe verbringen wir online gemeinsame 5 Wochen und arbeiten sehr intensiv an deinem Buch. Wir nehmen Figuren, Plot, Konflikte und deinen Schreibstil auseinander, polieren alles und setzen es neu zusammen, sodass dein Roman am Ende um Längen besser ist als vorher und du in kurzer Zeit sehr viel dazugelernt haben wirst.

Die ganze Zeit bin ich für dich da, begleite dich bei deinem Prozess und zeige dir auf, wie du dein Potenzial besser nutzen kannst.

Alle Voraussetzungen, Details und Kosten findest du auf dieser Seite. Aber Achtung: Die Anmeldungsfrist läuft am 30. August ab!

Die ersten Seiten eines Romans entscheiden nicht selten darüber, ob dein/e Leser/in dein Buch lesen wird oder nicht. In vielen Ratgebern wird vor allen Dingen der erste Satz besonders hervorgehoben, aber es bleibt nicht allein dabei: Der erste Absatz, die erste Seite, das erste Kapitel … eines führt zum anderen.

Worauf du vor allen Dingen bei den ersten 5 Seiten achten solltest, erfährst du in diesem Video:

Wie ergeht es dir selbst als Leser/in? Wann entscheidest du, ob du ein Buch weiterliest oder es weglegst?

In den vergangenen Wochen habe ich mehrere Anfragen von Menschen erhalten, die gerade anfangen, ihren allerersten Roman zu schreiben, und wissen wollen, wie man am besten anfängt, welche Schritte zu beachten sind, und so weiter.

In dieser Podcastfolge geht es um den Schreibtipp, einfach mal Tagebücher zu schreiben. Wie das mit den Schreibmuskel trainiert und warum es sich lohnt, über den schnöden Alltag zu schreiben, erzähle ich dir hier:

Hier sind die Bücher und Autorinnen/Autoren, über die ich im Podcast spreche:

Meike Winnemuth: „Bin im Garten“: https://amzn.to/2XDOJYm
Meike Winnemuth: „Das große Los“: https://amzn.to/2GHTZ7H
Astrid Lindgren: „Die Menschheit hat den Verstand verloren“: https://amzn.to/2GI9FI6
Erich Kästner: „Notabene 45“: https://amzn.to/2L5uNMR

Außerdem empfehle ich dir den Instagram-Kanal von Kyra Groh, die schnöde Alltagssituation sehr unterhaltsam aufbereitet: https://www.instagram.com/kyraschreibt/

Sind deine Figuren mitunter etwas widerspenstig? Manchmal will der Plot, dass Figur A und Figur B sich anfreunden, aber die beiden verabscheuen sich zutiefst. Nie im Leben würden sie freiwillig auch nur fünf Minuten miteinander verbringen … und da haben wir auch schon den Knackpunkt:

Ich raufe meine Haare, überfliege die rund zehntausend Wörter, die ich bisher geschrieben habe.
STRG + A. Entf.

Neeeeein, das stimmt natürlich nicht. Ich lösche meine alten Entwürfe nicht. Trotzdem tut es weh, sich von dem zu trennen, mit dem man so viel Zeit verbracht hat.

Wie es dazu kam, dass ich meinen Thriller bisher sieben mal neu geschrieben habe, erzähle ich dir in diesem Podcast: